“Orange blossoms for Violet” es con toda probabilidad una de las joyas de la arqueología bizarra más espeluznantemente grotescas que ha sacado adelante un gran estudio, la Warner Bros. en este caso, en todos sus años de vida, incluidos, me atrevo a decir, los que están por venir. Si no ha pasado a la Historia es simplemente porque todos los que la han visto tratan de olvidar tan sórdida experiencia. Los que no lo han conseguido, coinciden en otorgarle un puesto de honor en las estanterías del Museo del Horror cuando se reúnen en el patio del psiquiátrico. Esta presunta comedia familiar, concebida en 1952 como parte de los cortometrajes de la serie “Looney tunes”, fue una de las primeras películas protagonizadas por animales reales actuando como personas a los que se les incorporaron voces humanas. Aunque, como podrán comprobar, esto último sea mucho suponer, ya que aún está por confirmarse la procedencia humana no sólo de las voces, sino del equipo creativo de semejante engendro diabólico. Respecto a la noción “animales reales”, viendo algunas de las criaturas que aparecen con aspecto de autómatas disecados, está claro que no se contempla como sinónimo de vivos, al menos no cerebralmente.

Si el subgénero de los animales parlanchines, también llamado no en vano en ocasiones “horror animal”, no es que sea conocido precisamente por haber dado grandes frutos hasta nuestros días, salvo alguna que otra honrosa excepción, imagínense qué pudo salir de semejante concepto cuando a la precaria tecnología de la época le sumamos: a) la presencia de unos macacos con más estrés facial que Jim Carrey y el mismo sex appeal que el Fary comiendo limones, a los que, por si no resultaran suficientemente grimosos todavía con su oligofrénica imitación humana, se los acaba de ridiculizar embutiéndolos en unas pelucas y trajes estrafalarios; b) unas voces estrambóticas y chirriantes que sólo encajan con los movimientos de la boca cuando los animales están de espaldas a la cámara; c) una trama esperpéntica de folletín romántico barato plagada de situaciones surrealistas; d) ciertas observaciones racistas; y e) un sentido del humor desviado que se basa en la idea de que lo desagradable ha de ser por fuerza gracioso, así que esto debe de ser el descojone total. Como no quiero arruinarles las sorpresas que nos depara esta pesadilla, no les cuento más; simplemente véanla… si se atreven.

En la imagen: Fotograma de “Orange blossoms for Violet” - Copyright 1952 © Warner Bros. Pictures. Todos los derechos reservados.

“Muto” es el título de esta abracadabrante animación obra de Blu en la que los grafitis de una pared cobran vida, se transforman, se reproducen, se desplazan, interrelacionan, invaden otros espacios y, en fin, forman auténticas virguerías. Por lo visto, está realizada íntegramente mediante stop-motion, es decir, que la animación no ha sido incorporada luego sobre el fondo, sino que toda esa impresionante serie de dibujos se hicieron en realidad encima de las paredes y suelos.

Contentos que debían de estar los otros grafiteros, el ayuntamiento y los vecinos con el niño pintarrajeándolo todo durante no sé cuántos días. El corto se rodó en Buenos Aires y en Baden (Alemania). En la web y en el blog de su responsable podéis encontrar más información y fotos del making of, así como otros dibujos y piezas en la misma línea que parecen proyectos seminales al lado de esto, caso de “Fantoche”, “Walking” o “Letter A”.

En la imagen: Fotograma de “Muto” - Copyright © 2008 Blu. Todos los derechos reservados.

Sus prácticas sexuales incluyen el hermafroditismo, las amputaciones, la necrofilia y diversas aberraciones físicas, desembocando en ocasiones en la muerte de uno de los miembros de la pareja. Y para sacarles de dudas antes de que esta inocente, discreta y para nada sensacionalista introducción conduzca a sus morbosas mentes al punto de ebullición, debo aclarar que los protagonistas de semejante repertorio de conductas son insectos. Pero no insectos en plan “eres un gusano rastrero”, aunque algo de eso haya también, sino insectos insectos de verdad, con sus alitas, sus patitas peludas, sus antenitas y sus cositas todas. Lo que nos lleva a preguntarnos entonces por qué los documentales de naturaleza tienen tan poca audiencia. La veterana actriz y modelo italiana Isabella Rossellini, que es más larga que el Discovery Channel y el National Geographic juntos, se dio cuenta de que aquí había un terreno por explotar, y ha creado un nuevo género cinematográfico llamado “porno verde” que, aunque parezca un término redundante, es una fusión del ecologismo de divulgación científica con el cine guarrindongo, que también instruye lo suyo. Lars von Trier ya debe de haberse comido las uñas hasta la altura de los muñones porque la idea no se le ocurrió a él.

La iniciativa, titulada “Green porno”, está formada por varios cortometrajes que la propia Rossellini ha dirigido, escrito y protagonizado, y que nos ofrecen una perspectiva cómica y bastante incisiva de la pintoresca vida sexual de los insectos. A fin de cuentas, lo de la “mosca cojonera” de algún lado ha de venir. La cuestión es que, así de entrada y viendo algunas imágenes de la buena mujer disfrazada de bicho, uno piensa que a la pobre la ha abandonado la cordura… bueno, la cordura, el dinero y los amigos, pero, dejando al margen lo delirante del asunto, el resultado es bastante ingenioso y divertido, y, sobre todo, la Rossellini demuestra que sabe reírse de sí misma. Y es que ya que te lanzas al artisteo multidisciplinar, al menos no te tomes tan en serio que aburras. Esta colección de cortos fue presentada en las últimas ediciones de los festivales de Sundance y Berlín, y se puede ver desde hoy mismo por Internet a través del Sundance Channel, aunque los que vivimos fuera del territorio de Estados Unidos por lo visto tendremos que esperarnos hasta julio. De todas formas, algunos de los gags aparecen recogidos en los tráilers “Sex to die for”, “Genital geometry” y “If I were”, además de en estos dos vídeos que incluyen una entrevista y una presentación a cargo de su entera responsable.

En la imagen: Fotograma de “Green porno” - Copyright © 2008. Todos los derechos reservados.

Uno, que rima con “Juno”: Como el otro día les hizo tanta gracia aquel cortometraje de Jason Reitman sobre los informatizados designios del Otro Barrio, hoy les dejo con otra de las piezas cortas que dirigió y escribió en sus comienzos, una comedia ecológico-romántica titulada “Gulp” (”Trago”). No es tan original como “In God we trust”, pero tiene sus momentos entre “Colega, ¿dónde está mi coche?” y “¡Liberad a Willy!”, por poner. Se nota que al chico ya le tiraba mucho el tema del montaje y los recursos visuales desde los inicios. El propio Reitman aparece en un brevísimo papel. De nuevo, los diálogos en inglés no representan un gran obstáculo para seguir la historia. Ver “Gulp” en YouTube.

En segundo lugar, que rima con “Gracias por fumar”: Estaba cantado que el éxito de “Juno” no sólo iba a acarrearle muchos premios, sino también unas cuantas parodias. Y aquí está una de ellas, o por lo menos su hipotético tráiler: “Jewno”, la versión jewish, es decir, judía de la cinta original. Se trata de una producción para The Shunshan Channel que ha dirigido Stephen J. Levinson y donde J. K. Simmons (por cierto, este actor es muy majo) repite en el papel de padre de la protagonista. Ver el tráiler de “Jewno” en YouTube. (Empiezo a preguntarme si el naranja será el color preferido de Reitman o se tratará de una simple casualidad).

En la imagen: Fotograma de “Gulp” © 2001 Watch Out for the Bears Productions y Tate & Partners. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Jewno” © 2008 The Shunshan Channel. Todos los derechos reservados.

Varias décadas antes de que los palabras tunning y tuneo entraran a formar parte del vocabulario popular, en Estados Unidos ya existía un concepto similar conocido como hot-rod (sírvase con o sin guión según el gusto), y que no consistía en otra cosa más que en la personalización de los vehículos motorizados, no sólo para que tuvieran un aspecto único y distintivo acorde con el estilo de su dueño, sino, sobre todo, enfocada a la manipulación del motor con la intención de que alcanzaran más velocidad. Aunque el fenómeno del hot rod despegó en la década de los 30, experimentó su mayor auge entre los años 50 y 60, cuando la juventud norteamericana se lanzó a manipular sus automóviles y a protagonizar sus particulares competiciones en el asfalto. Ni que decir tiene que la sociedad puritana de la época vio aquello como otra manifestación más del Demonio, al igual que el rock and roll y la televisión.

El cine no se mantuvo ajeno a esta fiebre e inauguró así un subgénero llamado hot rod movies, que en español no son ni más ni menos que las típicas películas de coches y carreras. Estas cintas, normalmente de bajo presupuesto, estaban dirigidas principalmente al público juvenil, que se sentía identificado y seducido por el mensaje de libertad, rebeldía, competición, marginalidad, reafirmación y peligro que suele asociarse a la velocidad y a la gasolina. Buena parte de sus monotemáticos y amarillistas títulos incluían la palabra “hot rod”, mientras que las tramas, protagonizadas igualmente por adolescentes o post-adolescentes y muy estereotipadas, por lo general giraban en torno a rivalidades entre machos o bandas, conflictos generacionales y amorosos, delincuencia y accidentes. En fin, que junto a la acción sobre ruedas, ya fuera en forma de carreras o de persecuciones, no faltaban otro tipo de emociones fuertes, y abundaban todo tipo de curvas. A menudo los coches eran sustituidos o estaban acompañados por motocicletas o motos. En consonancia con sus salvajes ingredientes, los carteles con que se anunciaban eran potentes y llamativos, tanto por sus crispadas imágenes como por las sensacionalistas frases promocionales que utilizaban. Solían seguir dos líneas: la buenrollista, donde el centro de atención era alguna tía buena que daba la salida a los vehículos o se contoneaba entre los conductores; y la malrollista, en los que aparecían peleas, chicas malas, colisiones y persecuciones.

Algunos largometrajes representativos de esta corriente fueron producciones como “Hot rod rumble”, “Hot car girl”, “Hot-rod girl”, “The choppers”, “Hot rods to Hell”, “Teenage thunder”, “High school hellcats”, “Thunder road” (escrita, protagonizada y producida por nada menos que Robert Mitchum) o “T-Bird gang”, entre muchos otros, si bien las cintas más famosas y más comerciales ligadas a este movimiento las encontramos en dos clásicos como “Rebelde sin causa”, protagonizada por James Dean, y “American graffiti” de George Lucas. Si quieren continuar por esta misma carretera, en Astounding B Monster y The Video Beat encontrarán una lista de los largometrajes más emblemáticos de la carrocería hot rod. Y no dejen de contemplar los divertidos pósters que se hallan disponibles CineMasterpieces, Movie Poster Service y Go Kat Go. Por último, merece la pena echarle un vistazo al interesante cortometraje documental de 1953 “The cool hot rod”: Parte 1 | Parte 2.

En las imágenes: Cartel de “Hot-rod girl” © 1956 Nacirema Productions. Todos los derechos reservados. Cartel de “Dragstrip riot” © 1958 Transworld Productions. Todos los derechos reservados. Cartel de “Motor psycho” © 1965 Eve Productions. Todos los derechos reservados. Cartel de “The choppers” © 1961 Rushmore Productions. Todos los derechos reservados. Cartel de “Hot cars” © 1956 Schenck-Koch Productions y Bel-Air Productions. Todos los derechos reservados. Cartel de “Chrome and hot leather” © 1971 AIP. Todos los derechos reservados.

Uno de los cortometrajes que hubieran podido optar al Oscar® este año era “The Pearce Sisters”, un trabajo auspiciado por la Aardman Animations que sorprenderá a aquellos que conozcan a esta reputada factoría británica por sus aventuras con la plastilina, pues no sólo está realizado mediante animación tradicional, sino que su estilo, acorde con el humor negrísimo —por no decir desquiciado y terrorífico— que desprende, se podría calificar de sórdido, feísta, grueso, grotesco.

Al final esta pieza dirigida por Luis Cook no resultó nominada a la estatuilla, pero ganó un Premio BAFTA. Su argumento nos presenta a dos pintorescas hermanas de encanto escurridizo y salud mental ilocalizable —o sea, Puerto Hurraco way— que viven aisladas junto al mar. Sin embargo, esto no representa ningún obstáculo para que encuentren compañía a la hora de tomar el té… como buenas pescadoras que son. Ver “The Pearce Sisters” en Atom Films.

En la imagen: Fotograma de “The Pearce Sisters” - Copyright © 2007 Aardman Animations. Todos los derechos reservados.

Stefan Nadelman es el autor de “Food fight” (”Lucha de comida”), un ocurrente cortometraje de animación stop-motion que hace un recorrido por algunos de los conflictos bélicos más destacados de la Historia moderna, desde la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días —con ese apellido, parecía predestinado a ello—. Su peculiaridad reside en que los distintos ejércitos están representados por los platos típicos de cada país. También aparecen algunas moscas y hormigas; todo la mar de elocuente. Pueden verlo directamente aquí o a través de Boing Boing. [ Vía El laboratorio del Dr. Txap ]

La última parte del vídeo pertenece a “My dog impersonating Orson Welles”, una especie de parodia del ya legendario anuncio de champán que Welles rodó después de catar el producto con empeño y rigor para asegurarse de su calidad, o sea, completamente taja. Ah, aquí tienen al habilidoso perro que lo protagoniza; el corto, no el anuncio.

En la imagen: Fotograma de “Food fight” - Copyright © Tourist Pictures. Todos los derechos reservados.

Aprovecho la resaca post-Oscar® para dejarles con este cortometraje titulado “In God we trust” que dirigió en 2000 uno de los nombres del momento, Jason Reitman, a partir de su propio guión. Con esta comedia “fantástica” de cinco minutos de duración, el director de las aclamadas “Gracias por fumar” y “Juno” se agenció unos cuantos premios, además de llamar la atención dentro del panorama indie, lo que le permitió, tres cortos después, dar el salto al largo.

Como suele ocurrir con todos los cortometrajes que giran en torno a una idea más o menos ingeniosa que incluye cierto factor sorpresa, a poco que les cuente sobre su argumento, se lo destripo entero. Pero digamos que su protagonista es un joven que está muriendo atropellado —así tal cual, en gerundio—, circunstancia que le hará descubrir que el Más Allá es una oficina donde llevan la contabilidad de todos sus actos en vida y que él está a punto de ir directo al Infierno por el cúmulo de números negativos que arrastra. Aunque lo suyo (tampoco) sea el inglés, lo entenderán sin mucha dificultad porque, a pesar de los diálogos, su narración es básicamente visual. Ver “In God we trust” en YouTube.

En la imagen: Fotograma de “In God we trust” - Copyright © 2000 Watch Out for the Bears Productions. Todos los derechos reservados.

Marcel es el monstruo estrella de un exitoso videojuego. Sin embargo, tras su amenazante apariencia se esconde un entrañable ser que está cansado de ejercer siempre como el malo de la función. Pero, cuando decida buscar un nuevo trabajo, descubrirá que quizás no exista otro papel posible para él… Aunque también puede ser que encuentre su verdadero sitio donde menos se lo espera.

Éste es el argumento de “Mauvais rôle”, un divertido cortometraje que combina animación digital con acción real, y que se apunta a la actual tendencia de humanizar a los villanos, mostrándonos las interioridades de algunos populares videojuegos con ingenio y mucho sentido del humor. Sus autores son un grupo de aventajados alumnos de la escuela francesa Sup’Infograph. Podéis descargároslo en diferentes formatos a través de la web oficial de la película, o verlo con subtítulos en inglés en Photonization (calidad alta) o en YouTube (baja).

En la imagen: Fotograma de “Mauvais rôle” - Copyright © 2007 Esra Bretagne. Todos los derechos reservados.

Continuamos redescubriendo al Javier Fesser en formato corto. Aunque no me cautivó tanto como “Los Pinkerton”, “La cabina”, presentado igualmente en el Notodofilmfest, también es lo bastante curioso como para merecer atención. De nuevo una idea sencilla pero bien explotada a través de la intriga —piensen en una versión cachonda de “Última llamada”— que hace gala de su tradicional humor negro y absurdo. Protagonizan dos habituales suyos, un desquiciado Pepe Viyuela y una “estática” Emiliana Olmedo (“La gran aventura de Mortadelo y Filemón”), junto a Jose Lucas. Ver “La cabina” en YouTube.

De propina, dada su mayor brevedad, les dejo “Pancho & Pincho”, un simple divertimento en forma de gag (poco más hay, la verdad) que, a través de su desternillante diálogo y excéntricos personajes, recoge ese surrealismo tan propio de “El milagro de P. Tinto” y “El secdleto de la tlompeta”. Jose Manuel Moya, Chus Sálaman y Paco Arroyo, otros rostros familiares en su filmografía, interpretan al trío protagonista, a cual más rarito. Ver “Pancho & Pincho” en YouTube.

En la imagen: Imágenes promocionales de “Pancho & Pincho” y “La cabina” para Notodofilmfest - Copyright © Notodofilmfest. Todos los derechos reservados.