Como bien señalaba Crunch en los comentarios del anterior post sobre las películas, series de televisión y videojuegos que habían calcado las claves estéticas y argumentales de Indiana Jones, uno se pregunta hasta qué punto se les puede reprochar a este tipo de productos su naturaleza de fotocopias, sucedáneos baratos y vulgares refritos nacidos al rebufo del éxito de la saga original, cuando en realidad la tal saga en cuestión, a decir verdad, no sólo tenía bien poco de original, sino que ella misma es el resultado de un cóctel de influencias que en muchas ocasiones traspasan la categoría de homenaje y se acercan al más descarado arte del corta-pega-y-colorea-que-a-ver-si-cuela. Como reza el dicho, quien roba a un ladrón… Los propios Spielberg y Lucas han admitido, al menos por lo que se refiere a determinados aspectos de su obra, que durante su gestación llegaron a quemar los cabezales del vídeo revisando películas antiguas en busca de inspiración, convertidos ellos mismos en arqueológos a la caza de tesoros ocultos. Esto es como el efecto iceberg: imagínense lo que no admiten. Mientras que en las webs que enlazaba ayer se han dedicado a señalar con el dedo a los hijos copiones de Indy, en Cinematical, precisamente, se hacen eco de las raíces y fuentes de Indiana Jones, tanto de los créditos reconocidos por sus responsables como de otras probables referencias que manejaron, analizando de paso los elementos concretos que tomaron prestados de cada película. Yo, para que no se diga, les añado unos vídeos que así lo atestiguan.

La desmitificación del icono empieza, irónicamente, por una de sus más emblemáticas señas de identidad. Y es que el característico atuendo (sombrero y cazadora de piel) que ha quedado indefectiblemente asociado al personaje, no deja de ser una apropiación, además sin grandes variaciones, como salta a la vista, del guardarropía que Charlton Heston ya lució por partida doble en 1954 en “El secreto de los incas” (vídeo) y en la aún más popular “Cuando ruge la marabunta”, en tanto que su complemento sado-maso, el látigo, y más concretamente su particular uso, lo heredaría de algunos seriales televisivos de los años 30 dentro del subgénero de capa y espada, como “Zorro rides again” (vídeo) y “La legión del Zorro” (vídeo). Las demandas de paternidad se multiplican si dejamos a un lado el look más superficial del héroe y nos detenemos a desgranar la cosecha de conceptos ajenos que acumula la saga dentro de la trayectoria del género. Así, mientras que algunas producciones de los 40 como, por ejemplo, “Perils of Nyoka” (vídeo), “Secret service in darkest Africa” y “La mujer tigre” (vídeo) se encuentran en la base de la tradición de las aventuras en la jungla, uno de los precedentes que más y de manera más obvia han marcado a Indiana Jones es el clásico de 1950 protagonizado por Stewart Granger y Deborah Kerr “Las minas del Rey Salomón” (vídeo). Curiosamente, ayer comentábamos que una adaptación posterior de esta novela de H. Rider Haggard era uno de los calcos más descarados de las aventuras del popular arqueólogo; ya tenemos la paradoja del pez que se muerde la cola.

Algo similar ocurre en el caso de otros largometrajes señeros como “El tigre de Snapur” (vídeo) y “La tumba india” (vídeo), de Fritz Lang, o “El tesoro de Sierra Madre” (vídeo), de John Huston, de los que Lucas y Spielberg se sirvieron en bandeja muchos de los ingredientes y rasgos que conforman la dinámica argumental, el universo paisajístico y el estilo narrativo de su franquicia, adjudicándole además a “Only angels have wings” (vídeo), una cinta que Howard Hawks dirigió en 1939 y que tenía a Cary Grant como principal intérprete, el papel de primer borrador o germen de Indiana. Por otro lado, la influencia que ejercieron títulos como la épica “Gunda Din” (vídeo) o el western de John Ford “La diligencia” (vídeos) va mucho más lejos todavía, convirtiéndose en piezas clave para la construcción de determinadas secuencias. Por supuesto, la última entrega tampoco se libra de los homenajes ni del saqueo de ideas. Ahí tenemos, sin necesidad de rebuscar demasiado, a un Shia LaBeouf convertido en un remedo del motorizado Marlon Brando de “¡Salvaje!” (vídeo) o el uso que se hace de la arena en cierta escena, directamente sacada de “Tierra de faraones”, también de Hawks (vídeo). De hecho, sospecho que la lista que recogen en Cinematical aún se queda corta. Sea como fuere, la realidad siempre termina superando a la ficción, y, entre los progenitores intelectuales del Doctor Jones, tampoco hay que olvidar al arqueólogo nazi Otto Rahn, cuya pintoresca historia real inspiró al héroe interpretado por Harrison Ford.

En las imágenes: Fotograma de “El secreto de los incas” © 1954 Paramount Pictures, National Broadcasting Company y Darker Images Video. Todos los derechos reservados. Imagen de “Las minas del Rey Salomón” © 1950 Metro-Goldwyn-Mayer y Loew’s Incorporated. Todos los derechos reservados. Fotograma de “El tesoro de Sierra Madre” © 1948 Warner Bros. Pictures. Todos los derechos reservados.

Aprovechando el estreno mundial de “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”, algunas webs han coincidido en publicar una recopilación de aquellas películas, series de televisión y videojuegos que, tras el éxito arrollador que experimentó la saga en los 80, se dedicaron a copiar, a lo largo de esos mismos años y durante las décadas siguientes, su aventurero concepto e icónico imaginario, además de, cómo no, presentar a unos heroicos protagonistas que no eran sino claros remedos del original —en muchos casos, por no faltarles, no les faltaba ni su mítico sombrero, ni, por supuesto, su particular vestimenta a lo Coronel Tapiocca—. Algunos de estos productos —entre los que, no se vayan a pensar, se encuentran unos cuantos triunfos comerciales y otras propuestas de sobra conocidas que se han ganado sus propios adeptos— no dudaron incluso a la hora de calcar el estilo de los carteles obra de Drew Struzan, llegando a acompañarse de sintonías sospechosamente similares a la inconfundible banda sonora compuesta por John Williams. En ocasiones, su deuda más que ineludible con la creación de George Lucas y Steven Spielberg aparecía reconocida de algún modo en el propio título.

En Fanboy.com, por ejemplo, titulan este catálogo de plagios e hijos bastardos “Hall of shame”, e incluyen dentro de él el videoclip de Duran Duran “Hungry like the wolf” —aunque yo a esto más bien lo llamaría homenaje—, la popular cinta de aventuras estelarizada por Michael Douglas y Kathleen Turner “Tras el corazón verde”, la serie japonesa de animación “Montana Jones”, las también televisivas “Cuentos del mono de oro” —¡qué de recuerdos!— y “Traedlos vivos”, y la versión que del clásico “Las minas del Rey Salomón” rodaron Richard Chamberlain y Sharon Stone a las órdenes de J. Lee Thompson. Topless Robot, por su parte, añade a las mencionadas, los videojuegos “Earnest Evans” y “Tomb Raider” —junto con, obviamente, las traslaciones al cine de este último que sirvieron para el lucimiento, más anatómico que interpretativo, de Angelina Jolie—, y el anime “Explorer woman Ray”, mientras que desde Los Angeles Times también apuntan como candidatas a la lista de refritos y fotocopias “Firewalker” —un largometraje al servicio del sin par Chuck Norris que volvía a tener a Lee Thompson en la dirección—, la aún reciente “Sahara” —más recordada por el affaire entre Penélope Cruz y Matthew McConaughey que por su calidad como entretenimiento—, la franquicia de “The mummy (La momia)” y “Relic hunter”. Si hacen clic en los enlaces en negrita podrán ver los tráilers y títulos de crédito correspondientes.

En la imagen: Cartel de “Tras el corazón verde” © 1984 Twentieth Century-Fox Film Corporation y El Corazon Producciones S.A. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Montana Jones” © 1994 Studio Junio. Carátula del DVD de “Cuentos del mono de oro” © 1982. Todos los derechos reservados. Belisarius Productions y Universal TV. Todos los derechos reservados.

Por lo visto, Jack Nicholson echa tanto de menos su papel de Joker que se ha lanzado a ofrecerle su apoyo a Hillary Clinton con este ingenioso vídeo-montaje hecho a partir de fragmentos de las películas que ha protagonizado, caso de “Batman”, “El resplandor”, “Algunos hombres buenos” y “Chinatown”. Aunque para coñona, la parodia que le ha salido. De todas formas, teniendo en cuenta el retorcido humor de Nicholson y los desquiciados personajes que suele interpretar, quizás su intención no fuera precisamente la de respaldar a la ex Primera Dama; quién sabe…

Y hablando de la campaña electoral en USA, una curiosidad cinéfila relacionada. Slash Film se ha hecho eco de las películas y actores favoritos de cada candidato, así como de lo último que han visto en el cine, por si ustedes son de la opinión de que de lo que se come se cría, vamos, que lo que uno consume determina su carácter o viceversa. Así nos encontramos, por ejemplo, con que Hillary Clinton siente devoción por “El mago de Oz”, “Casablanca” y “Memorias de África”, mientras que Barack Obama se inclina por las dos primera partes de la trilogía de “El padrino” y John McCain prefiere “¡Viva Zapata!”, “Cartas desde Iwo Jima” y “Con faldas y a lo loco” —no me extraña que con estos gustos “tan revolucionarios” nadie se acuerde de él; y sí, estaba siendo un pelín irónica—. De los presidenciables españoles no les hablo, que nos tocan más de cerca y, por eso mismo, todavía dan más pereza.

En la imagen: Jack Nicholson en “Batman” - Copyright © 1989 Warner Bros. Pictures, The Guber-Peters Company y PolyGram Pictures. Todos los derechos reservados.

The List Universe es, como deja bien claro su título, una web especializada en elaborar top tens en diferentes campos que van desde lo más curioso e interesante hasta lo más bizarro y frívolo. Como ocurre siempre en el caso de las listas, se podrá estar más o menos de acuerdo con su selección, o directamente nada en absoluto, pero si le echáis un vistazo a su sección de películas y entretenimiento, donde suelen incluir bastantes colecciones de vídeos, se puede hacer algún que otro descubrimiento que vale la pena. Hoy, por ejemplo, me he puesto a mirar su top 10 de anuncios con famosos, que publicaron hace ya algún tiempo. La mayoría están protagonizados por actores y actrices que por aquel entonces se encontraban en sus comienzos o que todavía no eran conocidos —algunos, incluso, aparecen de niños—, por lo que aún resulta más jocoso verlos con la perspectiva del tiempo. Casualidad o no, lo más llamativo del asunto es que todas las marcas que ayudaban a promover, pertenecen a productos que se llevan a la boca. Y no me sean malpensados, que en ninguno de ellos sale Jenna Jameson.

Así, tenemos a una súper repelente Sarah Michelle Gellar que, con tan sólo 8 añitos, promocionaba las bondades de Burger King; a Bruce Willis cantando y bailando en un porche al ritmo que le proporcionaba la cerveza Seagrams; a su ex mujer, Demi Moore, jugándose la vida en la cornisa de un rascacielos por una Cocacola dietética —como se puede comprobar, en aquella época ya perseguían intereses opuestos—; a Morgan Freeman de cháchara en un poste eléctrico con tal de vendernos las virtudes de Listerine; a un imberbe Brad Pitt apuntándose a la soleada y playera marcha de California vía Pringles; a Leonardo DiCaprio de niño, inflando los explosivos globos del chicle Bubble Yum; a Keanu Reeves en el papel de un camarero que sirve Corn Flakes para un banquete; a Matt LeBlanc, el Joey de “Friends”, utilizando el ketchup Heinz para ligar; a Meg Ryan, ya por aquel entonces todo un dechado de irritante cursilería, prestando su mejor sonrisa para la pasta de dientes Aims; a la pequeña Jodie Foster sumergida en un surrealista y horripilante comercial de McDonald’s; y, finalmente, a un jovencísimo Elijah Wood escapando de una desastrosa barbacoa familiar gracias a Pizza Hut.

En la imagen: Leonardo DiCaprio en el anuncio de Bubble Yum © Bubble Yum. Meg Ryan en el anuncio de Aim © Aim. Todos los derechos reservados.

No sé lo que pensarán ustedes, pero al menos yo tengo grandes esperanzas depositadas en el nuevo trabajo de los hermanos Coen, “No es país para viejos”. Después de que sus dos últimas películas dejaran bastante que desear, y considerando que las dos anteriores tampoco es que llegaran precisamente al nivel que uno podía esperarse, confío en que ésta sea la cinta que nos devuelva definitivamente a los autores de grandes títulos como “Muerte entre las flores”, “El gran Lebowski”, “Barton Fink” y “Arizona baby” en su mejor forma física e intelectual —con permiso de “Fargo”, que me pareció un coñazo, y de “Sangre fácil”, a la que encuentro bastante sobrevalorada—. Lo cierto es que la película está gustando mucho entre todos aquellos que ya han tenido la oportunidad de disfrutarla y, aunque al final se volvió con las manos vacías de Cannes, en Rotten Tomatoes ha alcanzado nada menos que una puntuación del 95%, ahí es nada.

De ahí que ya se comente que podría ser uno de los títulos que desempeñen un papel destacado en la cada vez más inminente carrera de los Oscar®. Como parte de este éxito, y coincidiendo con el reciente estreno de “No country for old men” en Estados Unidos, The New York Times ha dedicado un reportaje fotográfico de luxe a la filmografía de los singulares Joel y Ethan. En las diferentes imágenes, realizadas expresamente para la ocasión, podemos ver a actores habituales en su cine, como John Turturro, Jeff Bridges, Holly Hunter, Jon Polito, Tim Blake Nelson, Sam Elliott, Julianne Moore o Steve Buscemi, junto al recién incorporado Javier Bardem, recreando algunas de las situaciones y personajes más emblemáticos de su obra. Lástima que John Goodman y Frances McDormand, dos de sus más imprescindibles colaboradores, no aparezcan por ningún lado. Además, la revista Time también ha preparado un especial con los 10 mejores momentos de su carrera.

En la imagen: John Turturro, Sam Elliott y el imprescindible “ruso blanco” - Copyright © 2007 Finlay MacKay y The New York Times. Todos los derechos reservados.

En Cracked.com han publicado una lista de nueve directores en activo que, en determinado momento de su carrera, arriesgaron su prestigio con películas que a menudo respondían más a caprichos personales que a razones profesionales, y que en muchos casos dieron como resultado auténticas castañas pilongas. Como era de esperar, Francis Ford Coppola, quien después de la trilogía de “El padrino” y “Apocalipsis now”, nos sorpendió con “perlas” como “Jack”, es uno de los que se ha ganado a pulso tan dudoso honor. Tampoco podía faltar Guy Ritchie, cuya relación con Madonna los hizo acabar “Barridos por la marea”, ni M. Night Shyamalan, al que todavía se le recrimina su desliz con “La joven del agua”.

Otro clásico de este tipo de rankings es Steven Spielberg, cuya mácula particular tiene por título “Hook: El capitán Garfio”. Les acompañan en la clasificación Spike Lee por “She hate me”, Terry Gilliam por la todavía reciente “Tideland”, Clint Eastwood con su “Deuda de sangre”, Sidney Lumet por su versión de “El mago” y, en un primer y exagerado puesto, Ridley Scott por “Un buen año”. Y digo exagerado porque a mí este hombre siempre me ha parecido un petardo. Quizás en todos los casos no se puede hablar de descalabro en la misma medida, pero la mayoría me parecen bastante representativos. Y a vosotros, ¿os falta o sobra alguno?

En la imagen: Cartel de “El padrino” - Copyright © 1972 Paramount Pictures. Cartel de “Apocalypse now” - Copyright © 1979 Zoetrope Studios. Cartel de “Jack” - Copyright © 1996 American Zoetrope, Great Oaks y Hollywood Pictures. Todos los derechos reservados.

Hablando de sociedades distópicas… Casualmente, el blog de cine y televisión Snarkerati publicaba el mes pasado una lista con las 50 películas de todos los tiempos que mejor han abordado la distopía en el cine, es decir, aquellas cintas de ciencia-ficción que presentan gobiernos totalitarios, sociedades deshumanizadas dominadas por el caos y la violencia o tecnologías ciber-genéticas. El título más antiguo que podemos encontrar es “Metrópolis”, la obra maestra de Fritz Lang, que no en vano ocupa también el primer puesto del ranking, mientras que la celebrada “Hijos de los hombres” de Alfonso Cuarón, en sexto lugar, y la fallida “Idiocracia” de Mike Judge, en el número 45, figuran como las más recientes. A la cola de la clasificación se sitúa “Equilibrium”, de Kurt Wimmer, una producción que, dicho sea de paso y vaya usted a saber porqué, nunca llegó a estrenarse en las salas españolas.

Por supuesto, dentro de esta selección no podían faltar clásicos antiguos y modernos como “El último hombre… vivo” de Boris Sagal, “La naranja mecánica” de Stanley Kubrick, “Brazil” y “Doce monos” de Terry Gilliam, “Blade Runner” de Ridley Scott, “Matrix” de los hermanos Wachowski, “Robocop” y “Desafío total” de Paul Verhoeven, la original “El planeta de los simios” de Franklin J. Schaffner, “Gattaca” de Andrew Niccol, “Fahrenheit 451″ de François Truffaut, “Mad Max” de George Miller, “Dark City” de Alex Proyas, “1997: Rescate en Nueva York” de John Carpenter, “1984″ de Michael Radford, “Soylent Green: Cuando el destino nos alcance” de Richard Fleischer, “La fuga de Logan” de Michael Anderson, “Días extraños” de Kathryn Bigelow, “Naves misteriosas” de Douglas Trumbull, “A.I. Inteligencia artificial” y “Minority report” de Steven Spielberg, “Delicatessen” de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro, “Perseguido” de Paul Michael Glaser, “Lemmy contra Alphaville” de Jean-Luc Godard, o “Rollerball” de Norman Jewison, por mencionar sólo algunas. Finalmente, destacar que la animación cuenta con cuatro representantes, tres de ellas procedentes de Japón: “A scanner darkly (Una mirada a la oscuridad)”, uno de los últimos trabajos de Richard Linklater, “Akira” de Katsuhiro Ôtomo, “Ghost in the shell” de Mamoru Oshii y “Metrópolis” de Rintaro.

En la imagen: Fotograma de “Metrópolis” - Copyright © 1927 Universum Film. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Hijos de los hombres” - Copyright © 2006 Universal Pictures, Strike Entertainment y Hit & Run Productions. Distribuida en España por UIP. Todos los derechos reservados.